L'édition 2024 du festival, qui s'est déroulée du 24 au 26 mai, a notamment accueilli des performances de Stevie Nicks, Megan Thee Stallion, Pearl Jam, Maná, Ed Sheeran, Queens of the Stone Age et The Offspring.
Au Japon, laisser un pourboire n’est pas seulement inhabituel, c’est souvent perçu comme une forme d’irrespect. Contrairement à de nombreux pays occidentaux où il est apprécié, voire attendu, ce geste peut surprendre, voire offenser les Japonais.
Dans la culture japonaise, fournir un service de qualité est une norme, non un acte nécessitant une gratification supplémentaire. Les employés sont rémunérés en conséquence, et offrir un pourboire peut être interprété comme une insinuation que leur salaire est insuffisant. Dans certains cas, un serveur pourrait même courir après un client pour lui rendre l’argent laissé sur la table.
Cette différence culturelle souligne l’importance de bien s’informer avant de voyager. Au Japon, plutôt qu’un pourboire, un simple « arigato gozaimasu » (merci beaucoup) accompagné d’une légère inclinaison de la tête sera toujours mieux perçu.
Le 1er janvier 1818 marque une date clé dans l'histoire de la littérature : la publication anonyme du roman Frankenstein ou le Prométhée moderne, écrit par Mary Shelley. Ce chef-d'œuvre gothique, considéré comme l'un des premiers romans de science-fiction, allait non seulement marquer son époque mais également façonner durablement l'imaginaire collectif.
À seulement 20 ans, Mary Shelley, née Mary Wollstonecraft Godwin, donne vie à l'histoire du scientifique Victor Frankenstein, qui, par son ambition démesurée, crée un être artificiel doté de conscience. Ce roman épistolaire explore des thèmes profonds et universels tels que les limites de la science, la responsabilité morale du créateur envers sa création et l'isolement social.
L'origine de Frankenstein remonte à l'été 1816, connu sous le nom de « l'année sans été », lorsqu'un groupe de jeunes intellectuels, dont Mary Shelley, son futur mari Percy Bysshe Shelley et le célèbre poète Lord Byron, se retrouvent au bord du lac Léman. Lors d'une soirée orageuse, Lord Byron propose un défi : écrire une histoire d'horreur. C'est ainsi que germe l'idée de Victor Frankenstein et de sa créature.
Lors de sa publication initiale en 1818, Frankenstein paraît de manière anonyme, en partie en raison des préjugés de l'époque à l'encontre des femmes écrivaines. Toutefois, le roman rencontre un succès immédiat, fascinant les lecteurs par sa capacité à mêler science, horreur et réflexion philosophique.
Plus de deux siècles après sa publication, Frankenstein demeure une œuvre intemporelle, continuellement revisitée et réinterprétée à travers le théâtre, le cinéma et d'autres formes artistiques. La question posée par Mary Shelley — jusqu'où l'humanité peut-elle aller dans sa quête de connaissance sans se perdre elle-même ? — reste d'une actualité brûlante.
Ainsi, le 1er janvier 1818, Mary Shelley a non seulement donné naissance à un monstre littéraire, mais également à un monument de la littérature mondiale.
La saga Harry Potter a captivé des millions de fans à travers le monde, mais derrière ses pages et ses scènes emblématiques se cachent des anecdotes étonnantes. Voici 10 faits insolites qui vous plongeront dans les coulisses du monde magique de J.K. Rowling.
Avant de choisir Harry Potter and the Philosopher's Stone (traduit en français par Harry Potter à l’école des sorciers), J.K. Rowling avait envisagé des titres alternatifs. Aux États-Unis, le premier livre est devenu Harry Potter and the Sorcerer’s Stone pour mieux parler à un public américain.
Le manuscrit de Harry Potter à l’école des sorciers a été rejeté par 12 maisons d'édition avant d'être accepté par Bloomsbury. La fille de l'éditeur, âgée de 8 ans, a supplié son père de publier l’histoire après avoir lu les premiers chapitres.
Le train utilisé dans les films est le Hogwarts Express, un véritable train à vapeur britannique appelé The Jacobite. Il circule encore aujourd'hui en Écosse et traverse des paysages similaires à ceux décrits dans les livres.
Ces créatures terrifiantes, qui aspirent la joie, symbolisent la dépression. J.K. Rowling a révélé qu'elle les avait créées à partir de son expérience personnelle de la maladie mentale.
Pendant le tournage de Harry Potter et le Prisonnier d’Azkaban, le réalisateur Alfonso Cuarón a demandé aux acteurs principaux d’écrire un essai sur leurs personnages. Emma Watson (Hermione) a rendu un essai complet, Daniel Radcliffe (Harry) en a écrit une page, et Rupert Grint (Ron) n’a rien remis, en parfait accord avec leurs personnages.
Dans les livres comme dans les films, le Choixpeau hésite à placer Harry à Gryffondor ou Serpentard. Ce détail a alimenté des débats parmi les fans, certains affirmant que Harry aurait prospéré chez les Serpentards.
L'une des répliques les plus célèbres de la saga, "My father will hear about this!" (Mon père en entendra parler !) de Draco Malfoy, a été improvisée par l’acteur Tom Felton, devenant un mème culte parmi les fans.
Pour plus d’authenticité, chaque baguette était unique et reflétait la personnalité de son propriétaire. Par exemple, la baguette de Bellatrix Lestrange est incurvée pour refléter son caractère tordu.
J.K. Rowling a avoué qu'elle avait brièvement envisagé de tuer Ron au milieu de la série, mais a finalement décidé de ne pas le faire, pensant que cela aurait été trop sombre pour l’histoire.
Poudlard est fictif, mais ses décors sont souvent inspirés par des lieux réels comme l'université d'Oxford et la cathédrale de Durham. Des visites guidées permettent de plonger dans cet univers magique.
Que vous soyez un fan de la première heure ou un sorcier en devenir, ces anecdotes montrent que le monde de Harry Potter regorge de surprises, même en dehors de ses pages enchantées.
Et vous, quel est votre fait insolite préféré sur Harry Potter ?
Découvrez les mystères et les rumeurs entourant les pactes avec le diable dans cette vidéo fascinante. De Beyoncé à Jay-Z, The Weeknd et Doja Cat, jusqu'aux figures historiques et chefs d'État, plongez dans un iceberg de théories qui explore l'origine de ces légendes et révèle les histoires les plus sombres et intrigantes qui circulent à leur sujet. Une plongée dans l'imaginaire collectif où vérité et fiction se mêlent.
Ala Kachuu, également orthographié ala kachuu ou alaqachuu, est une pratique culturelle controversée et préjudiciable qui est répandue dans certaines régions d'Asie centrale, notamment au Kirghizistan. Cette pratique, également connue sous le nom de "kidnapping pour le mariage", implique l'enlèvement d'une femme ou d'une jeune fille par un homme ou un groupe d'hommes dans le but de l'épouser de force. Le terme "Ala Kachuu" se traduit littéralement par "prendre et courir" en kirghiz.
L'origine précise de l'Ala Kachuu est sujette à débat, mais il est largement admis qu'il s'agit d'une pratique enracinée dans les traditions patriarcales et les normes sociales dans certaines communautés d'Asie centrale. Cette pratique a persisté pendant des siècles malgré les efforts de divers groupes pour la combattre.
Dans les cas typiques d'Ala Kachuu, les ravisseurs ciblent généralement des femmes ou des filles célibataires, bien que des cas de femmes mariées étant enlevées aient également été signalés. Les raisons de ces enlèvements sont variées, mais elles incluent souvent des motifs tels que le désir d'échapper à une procédure de mariage officielle coûteuse ou compliquée, ainsi que des facteurs économiques et sociaux.
Après l'enlèvement, la victime est souvent isolée de sa famille et de ses amis, et est souvent soumise à des pressions physiques et psychologiques pour accepter le mariage. Dans de nombreux cas, la victime est également violée dans le cadre du processus d'enlèvement et de captivité.
L'Ala Kachuu a des conséquences dévastatrices sur les victimes, tant sur le plan physique que psychologique. Les femmes qui sont enlevées de cette manière sont souvent confrontées à des traumatismes graves, notamment des problèmes de santé mentale tels que la dépression et le stress post-traumatique. De plus, ces mariages forcés peuvent conduire à des relations abusives et à des mariages précoces, compromettant ainsi les droits et le bien-être des femmes et des filles.
Malgré la reconnaissance internationale de l'Ala Kachuu comme une violation des droits humains fondamentaux, la pratique persiste dans certaines régions d'Asie centrale en raison de facteurs socio-culturels complexes et de l'insuffisance des mesures de protection et de prévention. Cependant, il existe des efforts continus, tant au niveau local qu'international, pour sensibiliser à ce problème, pour renforcer les lois contre l'enlèvement pour mariage et pour soutenir les victimes.
Des organisations non gouvernementales, des militants des droits des femmes et d'autres acteurs travaillent à sensibiliser sur les dangers de l'Ala Kachuu, à fournir un soutien aux victimes et à plaider en faveur de changements législatifs et sociaux pour éliminer cette pratique préjudiciable.
L'Ala Kachuu est une pratique culturelle dévastatrice qui persiste dans certaines régions d'Asie centrale malgré les efforts pour la combattre. En tant que violation des droits humains fondamentaux, elle nécessite une réponse urgente et coordonnée des gouvernements, des organisations internationales, des ONG et de la société civile pour protéger les femmes et les filles contre cette forme de violence et pour promouvoir l'égalité des sexes et les droits de l'homme.
La Sonate des Trilles du Diable, également connue sous le nom de "Sonate en sol mineur pour violon, op. 1, n°4, B.G5", est une composition emblématique du célèbre compositeur et violoniste italien Giuseppe Tartini (1692-1770). Cette pièce remarquable, considérée comme l'une des plus exigeantes du répertoire du violon, a acquis une renommée mondiale non seulement pour sa complexité technique, mais aussi pour l'histoire fascinante qui l'entoure.
La Sonate des Trilles du Diable a été composée par Tartini au début du XVIIIe siècle, probablement entre 1713 et 1714. Cette sonate pour violon seul se compose de quatre mouvements : Larghetto affettuoso, Allegro moderato, Andante et Presto, chacun exigeant une virtuosité exceptionnelle de la part du violoniste.
Ce qui distingue particulièrement cette sonate, ce sont les passages de trilles rapides et complexes qui se déploient tout au long de l'œuvre, d'où son surnom évocateur. Ces trilles, exigeant une grande dextérité et une précision extrême, représentent un défi redoutable pour les interprètes, contribuant à la réputation de l'œuvre en tant que pièce maîtresse du répertoire du violon.
La Légende du Pacte avec le Diable
La légende qui entoure la Sonate des Trilles du Diable ajoute une dimension mystique à cette œuvre déjà remarquable. Selon la tradition, Tartini aurait eu un rêve où il aurait conclu un pacte avec le diable, lui demandant de lui enseigner le violon. Dans ce rêve, le diable jouait une musique d'une beauté transcendante, dont Tartini se réveilla profondément inspiré mais aussi frustré par son incapacité à reproduire ces sons divins.
Pour exprimer sa frustration et sa fascination, Tartini aurait composé la Sonate des Trilles du Diable, tentant de capturer ne serait-ce qu'une fraction de la musique qu'il avait entendue dans son rêve. La sonate est ainsi interprétée comme une représentation des épreuves et des tourments de Tartini dans sa quête de perfection musicale, reflétant à la fois la fascination et l'angoisse de son expérience onirique.
Dans une anecdote légendaire, le musicien a raconté à l'astronome Jérôme Lalande la genèse de cette incroyable sonate :
« Une nuit (en 1713), disait-il, je rêvais que j'avais fait un pacte, et que le Diable était à mon service. Tout me réussissait au gré de mes désirs, et mes volontés étaient toujours prévenues par mon nouveau domestique. J'imaginai de lui donner mon violon, pour voir s'il parviendrait à me jouer quelques beaux airs ; mais quel fut mon étonnement lorsque j'entendis une sonate si singulièrement belle, exécutée avec tant de supériorité et d'intelligence que je n'avais même rien conçu qui pût entrer en parallèle. J'éprouvai tant de surprise, de ravissement, de plaisir, que j'en perdis la respiration. Je fus réveillé par cette violente sensation. Je pris à l'instant mon violon, dans l'espoir de retrouver une partie de ce que je venais d'entendre ; ce fut en vain. La pièce que je composais alors est, à la vérité, la meilleure que j'aie jamais faite, et je l'appelle encore la Sonate du Diable ; mais elle est tellement au-dessous de celle qui m'avait si fortement ému, que j'eusse brisé mon violon et abandonné pour toujours la musique, s'il m'eût été possible de me priver des jouissances qu'elle me procure. »
Impact Culturel et Héritage
La Sonate des Trilles du Diable est devenue l'une des pièces les plus emblématiques du répertoire du violon, jouée et étudiée par des générations de violonistes du monde entier. Son influence s'étend bien au-delà du monde de la musique classique, inspirant des adaptations, des hommages et des références dans divers médias artistiques.
Cette œuvre incarne non seulement la virtuosité et l'expression émotionnelle caractéristiques de la musique baroque, mais elle incarne également la puissance du mythe et de la légende dans la création artistique. La fascination pour l'histoire du pacte avec le diable a contribué à maintenir vivante la mémoire de Tartini et de sa musique, ajoutant une couche de mystère et de mysticisme à son héritage musical déjà impressionnant.
Le livre intitulé "GG Allin Antéchrist de l'extrême" écrit par Pierre Avril et Adeline Wall offre une exploration approfondie de la vie et de l'œuvre de GG Allin, une figure emblématique du punk. Dans cette biographie, les auteurs examinent le parcours tumultueux de Jésus Christ Allin, un white trash du New Hampshire, qui a dépassé les limites du no future, marquant ainsi le punk de manière inoubliable.
Connue pour ses excès extrêmes, l'histoire de GG Allin est parsemée d'incidents ayant souvent conduit à des séjours en prison et qui ont finalement précipité sa mort. Cependant, les auteurs interrogent si GG Allin peut être réduit à ses provocations et à ses frasques, suggérant qu'il pourrait être bien plus qu'un simple clown provocateur suivi par un public masochiste.
En soulignant des chansons provocantes telles que "Suck My Ass It Smells" et "I Wanna Fuck Myself" ainsi que ses groupes, tels que les Texas Nazis, les Murder Junkies et les scumfucs, les auteurs explorent la dimension artistique de GG Allin. Ils se penchent sur la question de savoir si GG Allin était un authentique détenteur de la flamme rock'n'roll en mission de sauvetage, un artiste ou simplement une attraction foraine.
Le livre remet en question les normes du politiquement correct et expose la pertinence de considérer GG Allin comme un performeur de l'extrême, le comparant à d'autres artistes tout aussi, voire plus, dangereux que lui dans le domaine de l'art contemporain. Les auteurs soulignent que malgré ses actes choquants, GG Allin a réussi à créer une œuvre d'art, rappelant que des performances similaires existent dans d'autres domaines artistiques.
En outre, le livre explore l'influence de GG Allin sur d'autres artistes, étendant son impact du punk au black metal en passant par le grindcore, citant des exemples tels que Anal Cunt, Watain, The Mentors, et d'autres. Les auteurs démontrent que GG Allin n'était pas seul dans sa mission d'authentique terroriste du rock, soulignant son extrémisme dans tous les aspects de sa vie et de son art.
En conclusion, "GG Allin Antéchrist de l'extrême" propose une réévaluation de l'œuvre de GG Allin, présentant le premier ouvrage biographique en français consacré à cette figure controversée du punk.
Le monde du cinéma est en deuil aujourd'hui, suite au décès du réalisateur acclamé William Friedkin, à l'âge de 87 ans. Ce grand nom de l'industrie cinématographique s'est éteint le 7 août 2023, laissant derrière lui un héritage cinématographique indélébile.
Né le 29 août 1935 à Chicago, William Friedkin a marqué l'histoire du cinéma avec son chef-d'œuvre intemporel "L'Exorciste", sorti en 1973. Le film d'horreur, inspiré d'un livre du même nom écrit par William Peter Blatty, a été un immense succès et a redéfini le genre, devenant un incontournable du cinéma d'horreur.
La carrière de Friedkin ne se résume pas uniquement à "L'Exorciste". Il a réalisé d'autres films acclamés par la critique et le public, tels que "French Connection" (1971) qui lui a valu l'Oscar du meilleur réalisateur, "Sorcerer" (1977) et "To Live and Die in L.A." (1985). Chacun de ses films était porteur d'une signature unique, caractérisée par une réalisation audacieuse et un storytelling captivant.
Son impact sur l'industrie cinématographique va bien au-delà de ses réalisations. En tant que pionnier, Friedkin a contribué à redéfinir les normes du cinéma hollywoodien des années 70 et a inspiré de nombreux cinéastes contemporains. Sa vision artistique novatrice et son engagement envers son métier ont laissé une empreinte durable dans le monde du septième art.
Le décès de William Friedkin laisse un vide immense dans le cœur des cinéphiles et de la communauté cinématographique. Les hommages affluent de toutes parts, célébrant l'héritage d'un réalisateur qui a su marquer son temps et transcender les générations.
Malgré son départ, ses films continueront de vivre à travers les générations futures, transportant les spectateurs dans des mondes fantastiques et explorant les méandres de l'âme humaine. En tant que cinéaste visionnaire, William Friedkin restera à jamais gravé dans nos mémoires, et son influence continuera de façonner le cinéma pour les années à venir.
Depuis sa sortie en 1976, "Carry On Wayward Son" est devenue une véritable légende du rock, une chanson qui résonne encore aujourd'hui dans le cœur des amateurs de musique. Ce single emblématique du groupe Kansas a marqué une époque et a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de la musique.
"Carry On Wayward Son" a été écrite par le guitariste Kerry Livgren, membre du groupe Kansas. La chanson est issue de l'album "Leftoverture", qui a propulsé Kansas sur la scène musicale internationale. Elle a immédiatement attiré l'attention grâce à ses riffs de guitare puissants, ses harmonies vocales envoûtantes et ses paroles profondes.
La chanson raconte l'histoire d'un voyageur solitaire qui se questionne sur le sens de la vie et cherche à trouver sa place dans le monde. Les paroles introspectives et poétiques évoquent les thèmes universels de la quête de soi, de la lutte contre l'adversité et de la persévérance. "Carry On Wayward Son" est devenue un véritable hymne pour ceux qui cherchent un sens plus profond à leur existence.
Le groupe Kansas, formé en 1970 à Topeka, Kansas, est composé de membres talentueux qui ont réussi à fusionner le rock progressif, le hard rock et le rock symphonique pour créer un son unique. Outre Kerry Livgren, le groupe comprenait le chanteur Steve Walsh, le violoniste et claviériste Robby Steinhardt, le guitariste Rich Williams, le bassiste Dave Hope et le batteur Phil Ehart.
Le succès de Kansas est principalement dû à leur capacité à créer des compositions complexes et mélodiques, mêlant des arrangements orchestraux grandioses à des guitares électriques percutantes. Leurs performances scéniques énergiques et leur son distinctif ont conquis les foules et leur ont valu une place de choix dans l'histoire du rock.
"Carry On Wayward Son" a propulsé le groupe vers de nouveaux sommets de popularité, atteignant le top 20 des classements musicaux et devenant un incontournable des radios. La chanson est depuis lors devenue l'un des plus grands succès de Kansas et est souvent considérée comme leur signature.
Plus de quarante ans après sa sortie, "Carry On Wayward Son" continue de captiver les fans du groupe Kansas et de conquérir de nouveaux auditeurs à travers les générations. Sa mélodie accrocheuse, ses paroles inspirantes et son arrangement musical exceptionnel en font une œuvre intemporelle.
La chanson a également connu une reconnaissance mondiale grâce à son utilisation dans de nombreuses bandes sonores de films, séries télévisées et jeux vidéo.
Il y a exactement 41 ans, le 11 juin 1982, le monde du cinéma et des spectateurs du monde entier étaient témoins d'un événement marquant avec la sortie du film emblématique "E.T., l'extra-terrestre". Réalisé par le talentueux Steven Spielberg, ce long-métrage a non seulement captivé les cœurs et l'imagination du public, mais il a également laissé une empreinte indélébile dans l'histoire du cinéma.
"E.T., l'extra-terrestre" raconte l'histoire d'un jeune garçon nommé Elliott qui se lie d'amitié avec un extraterrestre adorable et curieux. Ensemble, ils vivent une aventure extraordinaire, cherchant à aider E.T. à retourner chez lui tout en échappant aux autorités qui cherchent à le capturer. Ce récit touchant explore des thèmes universels tels que l'amitié, le courage, la loyauté et la capacité de l'imagination humaine à transcender les frontières.
Dès sa sortie, le film a connu un succès immédiat et a conquis le cœur du public de tous âges. Il a non seulement été acclamé par la critique, mais il a également remporté quatre Oscars, dont celui de la Meilleure Musique Originale pour la composition envoûtante de John Williams. Les performances exceptionnelles des acteurs, en particulier celle du jeune Henry Thomas dans le rôle d'Elliott, ont également été saluées.
L'une des raisons qui ont contribué à la popularité durable d'"E.T., l'extra-terrestre" est sa capacité à toucher les spectateurs d'une manière profonde et émotionnelle. Le film explore des thèmes universels tels que le sentiment de solitude, le besoin d'appartenance et la recherche de la compréhension mutuelle, ce qui permet à chacun de s'identifier à l'histoire et aux personnages.
De plus, la créature adorable et attachante qu'est E.T. est rapidement devenue un symbole de l'enfance et de l'innocence, transcendant les frontières culturelles. Son image est devenue emblématique, apparaissant dans de nombreux produits dérivés, affiches, jouets et même dans des parcs à thème.
Le succès d'"E.T., l'extra-terrestre" a également contribué à consolider la position de Steven Spielberg en tant que l'un des réalisateurs les plus talentueux et influents de sa génération. Il a su capturer la magie et l'émotion de l'enfance à travers cette histoire qui a touché des millions de personnes à travers le monde.
Depuis sa sortie en 1973, la chanson "Free Bird" du groupe de rock américain Lynyrd Skynyrd est devenue un véritable hymne du genre. Avec ses riffs de guitare emblématiques, ses paroles poignantes et ses solos de guitare épiques, cette chanson a su captiver les auditeurs du monde entier et reste encore aujourd'hui une référence incontournable du rock classique.
"Free Bird" est le fruit de la collaboration entre le guitariste Allen Collins et le chanteur Ronnie Van Zant, deux des membres fondateurs de Lynyrd Skynyrd. La chanson a été enregistrée pour leur premier album studio, intitulé "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd". Dès sa sortie, elle a suscité un engouement immédiat, propulsant le groupe sur le devant de la scène rock.
Ce qui distingue "Free Bird" des autres chansons de l'époque, c'est sa structure unique et son audace musicale. La chanson commence par une ballade mélancolique mettant en valeur la voix envoûtante de Ronnie Van Zant, avant de se transformer en un véritable tour de force instrumental. Le morceau se termine par un solo de guitare magistral, qui a fait la renommée de la chanson et qui est souvent considéré comme l'un des plus grands solos de tous les temps.
Les paroles de "Free Bird" sont également empreintes d'une profondeur et d'une signification qui ont touché de nombreux auditeurs. La chanson évoque le thème de la liberté et de l'évasion, invitant l'auditeur à s'évader des contraintes de la vie quotidienne. Les paroles "I'm as free as a bird now" ("Je suis libre comme un oiseau maintenant") sont devenues emblématiques et sont souvent reprises en chœur par les fans lors des concerts du groupe.
Malheureusement, en 1977, Lynyrd Skynyrd a été frappé par une tragédie qui a marqué la fin prématurée de leur carrière ascendante. Un accident d'avion a coûté la vie à plusieurs membres du groupe, dont Ronnie Van Zant. Cependant, "Free Bird" est restée comme un témoignage indélébile de leur talent et de leur héritage dans l'histoire du rock.
Au fil des décennies, "Free Bird" a continué de résonner dans les esprits et les cœurs des amateurs de musique rock. Sa popularité ne s'est jamais estompée, et la chanson est régulièrement jouée lors des concerts et événements musicaux. Son impact a également été ressenti dans la culture populaire, apparaissant dans de nombreux films, séries télévisées et publicités.
Aujourd'hui, "Free Bird" reste une pièce maîtresse du répertoire de Lynyrd Skynyrd et symbolise l'esprit rebelle et la virtuosité musicale du groupe. Elle continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes et de fans, attestant de la puissance intemporelle de cette œuvre musicale.
Le 29 décembre 2022 restera à jamais comme l’un des jours les plus tristes de l’histoire du football. En effet, ce jeudi, le plus grand joueur de football de l’histoire, le Roi Pelé, nous a quitté …
Edson Arentes do Nascimento, de son vrai nom, connaissait, depuis quelques temps déjà, de sérieux problèmes de santé. Il vivait entre son domicile et l’hôpital Albert-Einstein de São Paulo. Atteint d’un cancer du pancréas, le Roi s’est éteint à l’âge de 82 ans. Le monde du sport et du football en particulier perd une immense légende.
Doté d’une technique inégalable, il avait aussi un sens du but rare. Tous les joueurs qui l’ont côtoyé sur le terrain, qu’ils soient ses adversaires ou ses coéquipiers, parlent de Pelé en des termes plus qu’élogieux. Jamais aucun joueur n’aura fait autant l’unanimité que lui.
Né à Tres Coraçoes, il se passionne très tôt pour le ballon rond, son père, Dondinho, était alors footballeur amateur. Son talent va rapidement taper dans l’œil du Santos FC, club où il signe alors qu’il n’a que quinze ans. Tout va alors aller très vite pour Pelé puisque deux ans plus tard, il est convoqué pour partir à la Coupe du Monde 1958 en Suède. À seulement 17 ans, il va activement participer à la victoire des siens en marquant notamment un triplé contre l’équipe de France en demi-finale et un doublé en finale. Quatre ans plus tard, il remporte sa deuxième Coupe du Monde. En club, il enchaîne les titres avec Santos. Il est, pendant plusieurs années d’affilée, élu meilleur buteur du championnat. En 1966, il participe à sa troisième Coupe du Monde. Ce sera un échec puisqu’il sera très vite agressé puis blessé. En 1970, nouveau Mondial au Mexique. Cette fois le Roi est en pleine forme et au sommet de son art. Il régalera tout au long de la compétition jusqu’à la victoire finale.
Le 19 novembre 1969, il inscrit le 1000ème but de sa riche carrière contre le Vasco da Gama au stade du Maracaña, ce qui constitue un record inégalé et qui sera extrêmement difficile à battre pour les générations futures. Il est aussi le seul joueur de l’histoire à avoir remporté trois fois la Coupe du Monde.
Sa mort, que beaucoup craignaient, a suscité une vague d’hommages dans le monde entier. En effet, aucun footballeur, toutes générations confondues, n’a oublié qui il était. Voici quelques hommages qui lui ont été rendus :
Zinedine Zidane : « Eternel Roi Pelé »
Ronaldo (attaquant brésilien, ballon d’Or en 1997 et 2002) : « Son héritage transcende les générations. »
Michel Platini : « Je suis très, très ému. C'est ma vie. C'est mon histoire. C'est Pelé. C'est mes rêves. J'ai vu ses buts, ses exploits, et je n'ai jamais oublié sa Coupe du monde 1970. »
Didier Deschamps : « Avec la disparition de Pelé, le football perd l'une de ses plus belles légendes, si ce n'est la plus belle. Comme toutes les légendes, le Roi semblait immortel. Il a fait rêver et continuait à faire des générations et des générations d'amateurs de notre sport. Qui n'a pas rêvé, enfant, d'être Pelé ? »
Cristiano Ronaldo : « Une référence d'hier, d'aujourd'hui, de toujours. »
Par le passé, nombreuses sont les personnes qui avaient été impressionnées par Pelé qu’elles soient dans le milieu du football ou totalement étrangères à ce sport :
Franz Beckenbauer (légende du football allemand) : « C’était le joueur le plus complet que j’aie jamais vu. »
Ferenc Puskas (plus grand joueur hongrois de tout les temps) « Le plus grand footballeur du monde était Di Stéfano. Je refuse de classer Pelé comme joueur. Il est au-dessus de tout ».
Andy Warhol : « Pelé est l’un des rares à contredire ma théorie : au lieu de quinze minutes de gloire, il aura quinze siècles. »
Johan Cruyff : « Je peux être un nouveau Di Stéfano, mais je ne peux pas être un nouveau Pelé. Il est le seul à dépasser les limites de la logique. »
Leonidas da Silva (meneur de jeu brésilien) : « Quelle est la différence entre moi et Pelé ? J’étais un expert et il était un génie »
Le Roi Pelé était, est et demeurera une légende qui a marqué et continue de marquer des générations entières de footballeurs. Même si l’on ne s’intéresse pas au foot, on a forcément entendu parler de ce génie. Il a transcendé les frontières. Jamais personne ne l’oubliera car le mythe est éternel. Adieu.
La carrière de Black Sabbath et de son leader emblématique Ozzy Osbourne sont parsemés d’anecdotes et d’histoires toutes plus surprenantes les unes que les autres. La dernière en date est particulièrement sanglante …
Le guitariste de Black Sabbath, Tony Iommi, et ami de longue date d’Ozzy Osbourne a publié un livre intitulé Iron Man : Mon voyage au Paradis et en Enfer avec Black Sabbath (« Iron Man: My Journey through Heaven and Hell with Black Sabbath », en anglais). Pour faire sa promotion, il a accordé une entrevue avec le Daily Star au cours de laquelle il a raconté une histoire étonnante :
« Avec les drogues, on finit toujours par s’ennuyer. C’est pourquoi, il faut trouver une parade. Comme la fois où Ozzy a pêché un requin. »
« Il a ensuite démembré [l’animal] dans la chambre où nous résidions. Puis, il a tapissé les murs avec le sang du requin. »
Black Sabbath, groupe fondé à Birmingham en 1968, est considéré, par beaucoup, comme étant les précurseurs du Heavy Metal. Ils ont influencé un nombre impressionnant de groupes tels que Iron Maiden, Korn, Mayhem, Venom ou encore Metallica. Le magazine Rolling Stone indique que Black Sabbath a « changé la musique pour toujours » et va jusqu’à les surnommer les « Beatles du heavy metal ».
BLACK SABBATH - End of the Beginning
Ozzy Osbourne, leader du groupe de Heavy Metal britannique Black Sabbath, a raconté une anecdote surprenante au cours d’une interview donnée au magazine Classic Rock. Il a expliqué qu’il avait arrêté le LSD après avoir eu une conversation avec un cheval …
Lorsqu’il était plus jeune Ozzy Osbourne avait une réputation sulfureuse et prenait beaucoup de drogues. C’est d’ailleurs à cause de cette addiction qu’il a dû quitter son groupe Black Sabbath. Un jour, au début des années 1970, il a essayé de prendre de l’acide mais y a vite renoncé après une expérience aussi troublante que traumatisante.
Il raconte :
« Nous [lui et son groupe] avons vécu ensemble dans une maison à Los Angeles, avons répété là-bas, consommé des tas de drogues et fait un album : c'est simple. C'était de bons moments. »
« À cette époque, en Amérique, les gens aimaient beaucoup mélanger leurs boissons avec de l'acide. Cela ne me dérangeait pas. »
Il poursuit :
« J’avais tendance à ingérer des poignées de pilules d’un seul coup. Tout s’est arrêté quand nous sommes rentrés en Angleterre. J'avais pris 10 comprimés d'acide puis je suis allé me promener dans un champ. Je me suis retrouvé là à parler à ce cheval pendant environ une heure. Au bout d’un moment, le cheval s’est tourné vers moi et m’a dit d’aller me faire foutre. C’ en était fini pour moi »
Après cela, il s’est juré de ne plus toucher à cette drogue très populaire dans les années 1960-1970.
Les habitants d’une petite ville située dans l’État d’Oaxaca (dans l’extrême Sud-Est du Mexique) ont récemment assisté à un étrange rituel : le maire de cette communauté a épousé un jeune alligator …
Cet événement local, qui peut nous sembler totalement incompréhensible, a été immortalisé. Sur la vidéo, on peut voir le maire de San Pedro Huamelula, porter, dans ses bras, l’alligator de 7 ans qu’il doit prendre pour époux. L’animal était vêtu d’une robe de mariée. La gueule du reptile avait soigneusement été fermée par une corde afin qu’il ne morde personne.
Ce mariage insolite n’a, bien entendu, pas pour objectif d’être consommé. Il s’agit en réalité d’une tradition locale. Pour cette communauté, le reptile représente, le temps de cette cérémonie, la Terre-Mère et ce mariage symbolise l’union entre le monde des humains et le divin.
Ce genre de mariage rituel trouverait ses racines à l’époque préhispanique et était pratiqué par les Chontal et Huave. Son objectif est d’appeler la nature à être généreuse et à fournir suffisamment de nourritures aux habitants. Sosa, le maire de cette ville de pêcheurs, explique :
« Nous demandons à la nature qu’elle suffisamment tomber de pluie, qu’elle fournisse suffisamment de nourriture, que nous ayons suffisamment du poisson dans la rivière. »
Après l’arrivée du catholicisme, ce rituel antique a évolué mêlant habilement des éléments de cette tradition séculaire et de cérémonie chrétienne.
La situation mondiale actuelle est dramatique : inflation, guerre, dérèglement climatique, … . Le pire c’est qu’il n’y a aucune lueur d’espoir à l’horizon. Cet état des lieux rappelle une chanson sortit il y a quelques années par Tagada Jones, « Mort aux cons ».
Ce morceau, ou plutôt cet hymne, est un appel aux peuples de se réveiller, de prendre son destin en mains et de se débarrasser de toutes celles et ceux qui pourrissent la vie de la population. La chanson déplore qu’aujourd’hui le peuple semble totalement blaser et désespérer et qu’il ne se soulève plus, conscient que les manifestations et les contestations sont ignorés par un gouvernement qui préfère fermer les yeux sur les problèmes du quotidien.
Extrait :
« Que tu sois noir, que tu sois blanc
Que tu sois chrétien, juif ou musulman
Que tu sois athée ou sans faction
Chante avec nous ce "mort aux cons"! »
Après deux interminables années de pandémie, le monde fait face à un nouveau drame : la guerre. La Russie a décidé, pour des prétextes fallacieux, d’envahir l’Ukraine. Les nombreuses exactions commises par l’armée russe et les bombardements qui ont détruit et même rasé des villes entières, ont décidé certains artistes à agir.
Le groupe allemand Kanonenfieber a sorti un nouveau morceau pour dire non à la guerre, non à ce conflit sans fin. Le clip nous montre des images poignantes de cette guerre, des villes en ruine, des habitants qui ont tout perdu mais qui gardent, malgré tout, espoir de chasser l’ennemie.
En 1993, le groupe de rock américain Soul Asylum sortait l’un de ses morceaux les plus célèbres : « Runaway Train ». Rapidement cette chanson devint emblématique et connut un succès inattendu se plaçant notamment en tête des ventes au Canada. Mais, au-delà de cette sublime mélodie, le clip a aidé à retrouver plusieurs enfants disparus.
Ce morceau a été écrit et composé par Dave Pirner alors qu’il traversait une grave dépression. Au moment de sa sortie sur les ondes, un vidéoclip fut réalisé par Tony Kaye (le réalisateur du film American History X). Ce clip débute par le texte suivant : « Il y a plus d’un million de jeunes perdus dans les rues de l’Amérique ». Puis les images défilent montrant successivement le groupe jouant sa musique et, pendant le refrain, des photos de véritables enfants disparus ainsi que la date de leur disparition.
À la fin de la vidéo, le chanteur apparaît à l’écran et dit « Si vous avez vu un de ces enfants, ou que vous êtes l’un d’entre eux, s’il vous plaît appelez ce numéro ». Le clip fut visionner des centaines de millions de fois et son succès permit, aussi incroyable que cela puisse paraître, de retrouver 21 des 36 enfants qui apparaissent dans la vidéo.
À l’occasion du 25ème anniversaire du morceau, un nouveau clip fut diffusé sur YouTube. Il existe une multitude de versions de la vidéo, les images des enfants disparus s’adaptant à la région de la personne qui les visionne.
On ne sait pas si le miracle va de nouveau se reproduire avec cette nouvelle version mais espérons que cela permettra à des familles désespérées de retrouver leurs enfants disparus …
Version originale
Version pour les 25 ans du morceau
Les accusations à l’encontre de Marilyn Manson ne s’arrêtent plus. Dans un document, son ancienne compagne, Eva Rachel Wood, a affirmé que le chanteur l’avait littéralement violé pendant le tournage d’un clip …
Dans le documentaire Phoenix Rising, réalisé par Amy Berg, l’actrice a porté de très graves accusations contre la star du Metal. Elle a expliqué que pendant le tournage du clip de la chanson Heart Shaped Glasses, on lui avait fait boire une quantité indécente d’absinthe jusqu’à ce qu’elle soit presque inconsciente. C’est dans ces conditions que le viol aurait eu lieu. Mme Wood a témoigné ;
« Nous avions évoqué une scène de sexe simulé. Seulement, lorsque les caméras tournaient, il a commencé à réellement me pénétrer. Je n’avais jamais donnée mon accord pour ce genre de chose. »
« J’ai été violée devant une caméra. Je peux dire que toute l’équipe était particulièrement embarrassée et que personne ne savait comment réagir. »
Elle poursuit en expliquant qu’après l’avoir agressé, Manson aurait fait pression sur elle pour qu’elle n’évoque jamais cette scène en public.
Marilyn Manson et Evan Rachel Wood ont été en couple entre 2007 et 2010 alors qu’ils avaient presque 20 ans d’écart.
Depuis plus d’un an, Brian Hugh Warner, de son vrai nom, est dans la tourmente : plusieurs femmes l’ont publiquement accusé d’agressions sexuelles et même de viols. L’actrice britannique Esmé Bianco a même déposé plainte contre contre Manson pour viol, abus sexuels sadiques et violences répétées.
Cette cascade d’accusations ont eu des conséquences sur la carrière musicale de Marilyn Manson. Ainsi Loma Vista, sa maison de disque, a décidé d’interrompre toutes collaborations avec lui.
